Yuliya Solodka - Surrealistisk pop-art

 

Yuliya Solodka 33 år. Født i USSR. Bor i København.

Solodkas kunst tager et stærkt afsæt i surrealismen, men Solodka skaber sin egen nutidige

retning med et stærkt afsæt i de nutidige retninger Lowbrow og pop-surrealismen.

På samme måde som surrealismen var en æstetisk bevægelse, så er Solodkas billeder også

æstetiske. Men hvor surrealisterne ønskede at forene drøm og virkelighed i en ny overvirkelighed,

inspireret af Freuds teorier om drømmens og det underbevidstes betydning, så skildrer Solodka

ofte vores knuste drømme.

 

Hvor surrealismen skildrede ’overvirkeligheden’, så skildrer Solodka tit og ofte ’undervirkeligheden’ (eller: Det der ligger under ’virkeligheden’). Solodka skildrer i sine malerier (bl.a.) den eksistentielle usikkerhed, der ligger bag de sociale mediers glattede, glitrede, og polerede overflader. Solodka skildrer med sine tynde, smukke kvinder hvordan livet ser ud på overfladen. Men under overfladen ligger alle de større eller mindre eksistentielle problemer som alle mennesker har. Det er netop de små detaljer som Solodka bruger, som skaber de stærke historier omkring selve værkerne. Det er de små detaljer, der fortæller den sande historie. 

 

Hvor barndommen blev den foretrukne livsalder for surrealisterne så er det hos Solodka de unge smukke, men på samme tid usikre, sårbare og skrøbelige kvinder der er i centrum.  Solodkas billeder viser med de tynde anorektiske halse, og de uundgrundelige øjne, at det overfladiske glansbillede måske er ved at gå i stykker.

 

Karakteristisk for alle Solodkas malerier er øjnene. Udover at øjnene er noget af det smukkeste på et menneske, så går øjnene også for at være sjælens spejl. Det er næsten altid øjnene der bestemmer energien på Solodkas billeder. Som den franske filosof Jean Paul Sartre (1905 – 1980) gør opmærksom på, så fremmedgøres vi af den andens blik, der betegner et indbrud i vor verden. Det er ikke altid rart, at andre mennesker får et indblik i ens/din verden.

 

Til trods for Solodkas unge alder har Solodka allerede oplevet mere på sin egen krop end de fleste. Til trods herfor så ser Solodka livet direkte i øjnene. Solodkas kvinder på billederne betragter og iagttager verden, og de betragter og udfordrer beskueren. Solodkas kvinder ser verden i al den skønhed og i al dens gru. Øjnene ser direkte og krævende på beskueren. Solodkas figurer dissekerer og analyserer beskueren, og afkræver (måske) svar eller stillingtagen.

 

Solodka tager i sine malerier afsæt i sin egen hårde og omtumlede opvækst, men ikke mindst i nutidens virtuelle drømmeverden/overfladeverden, hvor alle på de sociale medier fremstilles som værende perfekte. Solodka filtrerer verdens – og ikke mindst sin egen usikkerhed og angst - og koncentratet kommer ud i form af stærke livskraftige billeder.

 

Solodka mener det er vores alles ansvar at gør verden til et bedre sted at leve i. Solodkas malerier ønsker at give beskuerne håb, tro og indre styrker til trods for at livet ofte kan opleves som værende meget hårdt. Vi kæmper alle vores større eller mindre kampe, men man skal aldrig give op.

 

Solodka følger ikke reglerne. Solodkas budskaber er: Vær dig selv. Sæt dig udover normerne. Tro på dig selv. Kæmp. Der er altid håb. Og der er altid håb i billederne. Solodka har det som Asger Jorn der sagde om kunsten. ”Det kunstneriske er ikke et professionelt fænomen, men det præg af livsglæde, der sættes på vores tilværelse”. Så pas på: Under den glitrende og glatpolerede overflade ligger livet på lur – på godt og ondt.

Abel Massot - Humanism and existentialism

 

'Uncertainty of Existence' is the title of the new image series by the Cuban artist Abel Massot. Once

again his discourse is deeply humanistic. The humanist who, to the best of his ability, tries to be guided

by his sound rational reason and judgment, but also the compassionate humanist who shows respect

for every and each fellow human being.

 

Abel Massot seems to have overlaid the Cartesian paragraph; 'I think – Therefore I am' to 'I see -

Therefore I am'. The faces and eyes of the portraits pose the simple and eternal - but almost

unanswerable - questions: 'Who am I?' And 'Who are you?' Two questions that condition - and are

conditional on - each other. Because without the 'I', there will be no 'You', and vice versa.

 

Massot creates in each of the portrayed faces - through introspection - a strong link between the 'I' and 'the spectator'. Each portrait forces us to reflect on who the other is, but also over who we are ourselves, not least because 'the other' (I.e. the portrait) require you – as the spectator - an answer as to who you are. In other words; Abel Massots portraits forces us to reflect about ourselves, what we see and experience every day, everyday life, and the life that many consciously or unconsciously choose not to ‘see’, or reflect about.

 

Thus the portraits addresses the major existential (existentialistic) questions: Who am I? Who are you? What is a human being? But who are the questions addressed to? The spectator or the portrayed self?

 

About the paintings

There is an immense intensity, totality, brutality – and perhaps and violence - in the paintings.

 

Abel Massot brings with his paintings all the great human feelings in play. The portrayed expresses sadness, empathy, fear, anger, desperation, concern, reflection, stoic calm, thoughtfulness, amazement, excitement, distrust, depression, strength, reluctance, vulnerability, loneliness, disapproval, and suspicion. But never happiness. The multifaceted expressions of the portrayed images thus opens up for countless questions and interpretations.

 

Each of the portrayed confronts their own character in relation to the spectator. The portraits try to show the absolute nudity of their souls, their innermost being, their reflections and their concerns. The portraits require the spectator to stop up and take a position. Thus, Abel Massot’s paintings hypnotize and keep the spectator caught on the spot.

 

Reflection

But whatever the portraits demand, reflect or try to pass on to the spectator, the portraits always lead to reflection; a reflection about the social background from where these characters come, but not least reflection about what they think, and who they are. By doing so, Abel Massot tries to get the spectator to reflect on his own - and perhaps reflect in relation to other people. Make the spectator take some existential choices. However, before you can take qualified existential choices, you have to reflect on whom you yourself are.

 

The painting itself

Massot peels human vanity away by choosing to recreate his facial portraits in large coarse formats which, regardless of color or tone, deprives us of the details; details which could lead us away from the fact that it is the individual human being (and only the individual human being!), which is - and should be - the center of attention and reflection. There is absolutely nothing in the paintings that can take attention away from what Abel’s message is about – namely the identity of the individual human being itself. There are no landscapes or material objects, which can take attention away from what it is all about - The Human Being/Man. It is the human existence, and not the countless material things, which define The Human Being/Man.

 

Painting technique

Abel's painting technique (pastos/impasto where the colors are painted in a thick layer on the canvas) furthermore amplifies the fierceness and expressiveness of the portraits, something that is further enhanced by the very powerful colors (powerful colors, which, paradoxically, contrasts with the gloomy faces).

 

Inspiration

Abel Massot gets his inspiration from looking at – and reflecting about - people in everyday life. In addition to this, he gets his inspiration by (secretly) take photos of strangers.

 

Abel Massot's historical inspiration sources are Jean Dubuffet. Willem de Kooning Francis Bacon, Oswaldo Guayasamín and Lucian Freud).

About Abel Massot: Education and C.V. (short)

Graduated from the Academy of Fine Arts "San Alejandro". Painting Specialty. 2005

Bachelor in Fine Arts Education. Higher Education Institute "Enrique José Varona" (ISPEJV). 2003

Member of the National Registry of the Creator of Fine Arts. National Council of Visuel Arts. Cuba.

Lauge Voigt - Hvad vil det sige at være et menneske?

Lauge kredser med sine skulpturer konstant om, hvad det vil sige at være et menneske. Hvorfor

opfører vi os som vi gør? Hvorfor gør vi som vi gør imod hinanden? Hvorfor gør vi ofte det

modsatte af, hvad der er det moralsk rigtige? Lauge forsøger med andre ord, at gøre os mere

 

bevidste om hvorfor vi gør som vi gør, og ønsker at vi skal reflektere over, og være, vores sande ’jeg’. 

Med den amerikanske filosof Robert Pippins ord: ’Vær dig selv, vær autentisk, og vis dit sande ansigt’.

Selverkendelse og refleksion

Lauge ønsker med sine skulpturer, at skabe historier, som griber fat i folk, får dem til at stoppe op

og reflektere. I Lauges stærkt symbolladede univers stilles der mange spørgsmål for at vække

beskuerens erkendelse, men ikke mindst selverkendelse. Den selverkendelse, der ofte sættes i

forbindelse med det oldgræske udtryk kend dig selv og med Sokrates' insisteren på, at mennesket må kende sig

selv for at kunne forstå sin omverden’. Kender og erkender man sig selv, så forstår man også bedre sin omverden,

herunder sine meget anderledes udseende og kulturelt forskellige medmennesker i denne globaliserede tidsalder.

 

Lauge Voigt stiller med andre ord spørgsmål ved måden vi mennesker ser og opfatter os selv og hinanden på. Måden vi ser og opfatter ’den anden’ eller ’de andre’ på. Måden vi møder andre mennesker på, er ofte baseret på vores egen baggrund og opvækst. Vi ser på ’dem’ gennem vores egne værdier og normer, men kan vi det?

 

Som Lauge Voigt formulerer det: ”Vi er som mennesker ofte bundet af vores egne overbevisninger og holdninger. Vi har svært ved at møde andre mennesker, uden at lægge vores egne holdninger, ideer tro og syn på verden over på dem vi møder. Vi forventer at de ser verden sammen måde. Vi holder sammen i stammer. Vi bekæmper dem der kommer udefra. Vi er ligesom en dyreflok der jager de andre væk, så de ikke stjæler vores mad og territorium. Vi lægger vores følelser over på dem. Vi tror vi ved med de andre tænker og føler men det gør vi jo ikke”. Lauge lægger sig dermed i kølvandet af den kunstneriske kritik af kapitalismen, som netop kritisere at mennesket fremmedgøres af kapitalismen.

 

Selvironi og nye kontekster

Lauge har i mange af sine skulpturer en (selv)ironisk distance, og sætter ofte sine figurer tingene ind i nye kontekster, hvilket gør at beskueren får stillet nogle – ikke altid behagelige – spørgsmål om sig selv, og det at være menneske. Lauge ønsker dermed at vende tingene og tilværelsen på hovedet, for at få beskueren til at se tilværelsen og sig selv i et nyt lys. Pege fingre af sig selv, holde et spejl op for beskueren, så beskueren kan se på sig selv, og på sin egen tilværelse.

Rummeligheden

Der er i mange af Lauge Voigts figurer på en og samme gang en lethed, elegance, men samtidig også en styrke, livskraft og råhed, hvilket i sig selv gør dem spændende.

 

Skulpturens tredimensionelle styrke gør, at den er interessant hele vejen rundt, så man virkelig kan gå på opdagelse i værket. Derfor arbejder Lauge meget intenst og fokuseret med de rumlige aspekter, så beskueren bliver draget rundt, om og ind i, skulpturen, og på den måde også ind i fortællingen.

 

Lauge Voigt tager os hele vejen rundt – fra det helt nære og konkrete om, hvad det vil sige at være et menneske, herunder grundlæggende emner som seksualitet, fødsel, død, lidelse, over til de store globale spørgsmål, som religion, kultur og verdens grundlæggende uretfærdighed. Tør du tage ind i Lauges univers? Kan du finde dig selv i Lauge Voigts univers?

Inspiration

Man kan i Lauge Voigts skulpturer finde referencer til, og spor af, prominente figurative malere og billedhuggere, som Rodin, Michael Kvium, Jacob Rantzau, Bruno Walpoth og Grzegorz Gwiazda.

Lauge Voigt deltog på ’Kunstnernes Sommerudstilling’ 2018.

Alfredo Mendoza - An introspective journey through human life, or an existential view of loneliness?

 

Alfredo Mendoza’s paintings asks countless existential questions and takes us on countless

‘human life journeys’ where stories related to hidden feelings, existential uncertainty and

enigmatic ambiguity are narrated.

 

We never see people with open eyes in Alfredo Mendoza’s paintings. However, even though the eyes

supposedly are ‘the mirror of the soul’, the viewer still seems to get an insight into the lives and destinies

of the characters depicted in Mendoza's paintings.

 

The characters portrayed are always people with faces turned away from the viewer or people with closed or blurred eyes. However, who are the people portrayed? What are they looking at? Why do we not see their eyes, and why do they often look down with bent heads, or directly away from the viewer? Is it like the Nobel Prize Winner in literature José Saramago writes in the end of his book ”Blindness”: ''Why did we become blind, I don't know, perhaps one day we'll find out, Do you want me to tell you what I think, Yes, do, I don't think we did go blind, I think we are blind, Blind but seeing, Blind people who can see, but do not see”.'

 

There is countless of reflection and countless unsaid dialogues and thoughts in the pictures of Alfredo Mendoza. What do the portrayed characters think of? What do they want to talk about? Whom do they speak with? Or are the characters on an inner search or an inner journey towards themselves?

We are – per definition - alone in the world, and yet not. We often close our eyes and experience the sensation of not being alone. And sometimes, even in company with other people we experience loneliness. Is that why many of the characters seems to be lonely? Or is this why we often see ghosts, strangers - or reflections of people - that wanders and coexists in many of the paintings? Do the persons depicted opt for an introspective dialogue even when there is company? And who are the strangers, why are they in the paintings, and what do they want? Is it the ghosts we all have, and which we all fight with? Many of the depicted people seem to be on their own (dreaming) travels. But why and where are they going?

In some of the portrayed characters, there is innocence, but there is also guilt. But who is guilty to whom? And can a human being be innocent? There is power and there is powerlessness. But who has power over whom and why? But at the same time there is a protective aspect in Alfredo Mendoza’s way of portraying this power. But who is protected against whom, and why?

 

Time (and space) seems to stand still, but despite of this the paintings still quiver of the many unsaid actions and tensions in the meeting between the characters. The underlying/inherent tension lies in the unsaid dialogues, and there is a huge universe of unsaid words, thoughts, dialogues and feelings in the paintings of Alfredo Mendoza.

 

With Alfredo Mendoza’s pictures, we seem to dive into an older (but also contemporary) dream world. There is a sad nostalgia over many of the pictures. It is like diving into a contemporary time pocket. Is it a longing for a bygone era? When all this is said, Alfredo Mendoza’s paintings poses – like life itself – many more questions than is answered.

Thus, take up the challenge and dream your own dreams. Take up the challenge and pose your own questions. Take up the challenge and take an open look at your own life.  

About Alfredo Mendoza

2004–2008 Academia de Artes Plásticas: Carlos Enrique. Manzanillo, Cuba

Lisbeth Lunda  

Hvad frygter du mest, når du krydser grænsen for at have levet halvdelen af dit liv, hvad er din

største fortrydelse, og hvad giver dig den største glæde? Dette er nogle af de spørgsmål og tanker,

Lisbeth Lunda bearbejder i sine malerier.

 

Lisbeth Lunda er vokset op i Brønderslev, Nordjylland, i et lukket og dybt religiøst samfund.

Fra barn blev Lunda stillet i situationer hvor det var nødvendigt at forholde sig til religion, skam,

ensomhed og fremmedgørelse. Dette har fulgt hende gennem livet, og dermed gjort hende til en

tankefuld person, med et konstant selskab af djævlen på den ene skulder og englen på den

anden.

 

Så langt tilbage Lunda erindrer, har hendes indre samtaler om livet og frygten for samme været

en del af hende, så da hun i 2017 besluttede sig at trække sig tilbage fra reklamebranchen og skabe sin egne værker, blev den indre dialog det helt naturlige afsæt.

 

Gennemgående i Lundas værker er introverte, anderledes smukke personer placeret i todimensionale omgivelser, hvor de møder deres indre tanker og dæmoner, ofte i form at et dyr. Et fascinerende sammenspil mellem grafisk strenghed og det maleriske, der også giver plads til iagttagerens egne fantasier; og titlerne til værkerne, som mere er et stykke lyrik, giver del hele en ekstra spændende dimension. 

 

Der følger altid korte lyriske tekster med til Lundas billeder – tekster der på en og samme gang sætter billedet i kontekst, men samtidig skaber et helt nyt tankeunivers. Eksempler herpå er:

 

  • VYSTOPIA no 1: “What’s on your mind?” The beetle said. “I thought that was obvious” she replied

  • JANTELAW:  “Why do you scream at me?” she asked. “Because you are different and think you are better than us” the seagull continued - and she let the west wind blow her east.

  • BROKEN: “Learn how to fly or lay down and die” she thought – and butterflies came from within and pulled her above. She was no longer alone.

  • SURRENDER: “Will you trust me?” he asked. “I will sink to the bottom of you” she smiled. And his blue calm surrounded her.

 

”Mine værker handler om at se sine dæmoner i øjnene og være taknemmelig for det, der har været med til at skabe os som mennesker, på godt og ondt,” siger Lisbeth Lunda.

 

Inspirationen til universet er trukket i en lige linje til det, som gennem et helt liv har fodret Lunda’s fantasi og livskraft, nemlig naturen og dyrene i den. Lunda har som barn tilbragt tusindvis af alene timer i naturen som en anden Ronja Røverdatter, men også som voksen er skovene og stranden de steder, hvor der hentes inspiration og sjælefred. Ofte i selskab med et af hendes egne dyr, og altid observerende naturen, dens dyreliv og den kraft, renhed og energi, som den besidder.

 

Lisbeth Lunda, der er uddannet grafisk designer, illustrator og Art Director fra DRB Skolen, har gennem 30 år ”tjent reklamebranchen”, som hun selv formulerer det. Men nu er AD-marker, filtpen og Photoshop byttet ud med pensel, akrylmaling og lærred, og den analyse og storytelling, som hun tidligere brugte som værktøj i commercial communication, bliver nu til stærke fortællinger om frygt, glæde, kærlighed, håb og brudte illusioner.  

June Jin Engelhardt (tex will follow)

Kevin Wood (text will follow)

Julie Vivre Masque (text will follow) 

Kamilla Lynggaard (text will follow) 

 

 

 

 

Martin Duvander (text will follow)

Gallery Sapere Aude.

Ved Glyptoteket 6. 1575 Copenhagen V. Denmark.

Phone: +0045 23 67 02 06. Email: info@gallerysapereaude.com

  • Facebook Clean